MÓDULO 03

Impressionismo

Pintura

Esse movimento influenciou toda arte moderna do século XX, com o surgimento da fotografia, os artistas começam a representar na arte não o que o olho vê, mas sim uma realidade subjetiva, dando início a abstração. O impressionismo reagia contra o academicismo.

Através da luz e da cor os artistas do impressionismo buscam atingir a realidade. As obras são feitas ao ar livre para aproveitar a luz natural.

Obras mais conhecida: Impressão do Nascer do Sol, de Claude Monet, A Aula de Dança, de Edgard Degas; e O Almoço dos Remadores, de Auguste Renoir.

Tendência estilística que dominou a pintura, sobretudo francesa, no último quarto do século passado. Anti-acadêmico e anti-romântico, o Impressionismo preparou o caminho para todas as manifestações artísticas que lhe seguiram, e teve em Manet, Monet, Renoir, Píssarro, Sisley, Morisot, Degas, Brazille, Boudin, Cassatt, Cézanne, Gauguin, Seurat, Signac, Lautrec e Van Gogh seus principais representantes.

A denominação impressionismo tinha de inicio cunho pejorativo, e foi utilizada por um crítico de arte, Louis Leroy, para designar essa arte. Derivava do nome de um quadro de Claude Monet então exposto: "Impressiona u Soleil Levant" (1874). Não era porém a primeira vez em que a condição de Impression era posta em relêvo por críticos: Castagnary, por exemplo, afirmara em 1864, referindo-se à pintura do holandês Jongkind: "nela, tudo não passa de impressão".

Para Camille Mauclair, pode o Impressionismo ser sintetizado em poucas palavras: "reação contra o espírito greco-latino e contra a organização escolástica da pintura". Em verdade, a conceituação da tendência é bastante difícil, a não ser que aceitemos a definição sumária de um artista, Eugène Boudin, que se acha por assim dizer, na origem mesma do movimento: "movimento que leva a pintura ao estudo da luz plena, do ar livre e da sinceridade na reprodução dos efeitos do céu".

Novo caminho indicarão também três pintores algo à margem do Impressionismo, se bem que dois tenham mesmo participado das mostras do grupo. Esses três pintores chamam-se Paul Cézanne, Paul Gauguin e Vincent van Gogh, e ocupam lugar importante na história da pintura, não só pelo que foram como pelo que possibilitariam. A chamada arte moderna, com efeito, nasce com a contribuição de cada um deles, sendo Cézanne responsável pela conceituação de um novo espaço pictórico, Gauguin pela imposição de uma fórmula sintética abrangendo forma e cor num todo simples e abstrato, Van Gogh pela vitória da cor sobre o desenho.

Edouard Manet

Abandonou o método acadêmico de suaves gradações das cores para usá-las de maneira vibrante.

Claude Monet

Profundo pesquisador da luz e de seus efeitos. Estudava como a cor apresentava diferentes tonalidades de acordo com as diferentes horas do dia. Predominavam as paisagens naturais.

Edgar Degas

Valorizou o desenho por causa de sua formação acadêmica, os ambientes de seus quadros são interiores, pintor de poucas paisagens captava a suavidade dos movimentos.

Auguste Renoir

Conseguiu popularidade e reconhecimento ainda em vida. Pintava a vida parisiense, personagens do cotidiano, naturezas mortas...

Pós-impressionismo

É o período marcado pelas experimentações individuais. Os artistas buscam a realidade e imitam a natureza, utilizando recursos de luz e cor. O cromatismo é muito utilizado. As cores mais intensas são exploradas por Vincent Van Gogh com pinceladas fortes e explosivas, como em Noite Estrelada. Henri de Toulouse-Lautrec usa a técnica da litogravura.

Cézanne - Os lutadores

Os historiadores da arte adoram rótulos, e "pós-impressionismo" é o nome dado às diversas vertentes de pintura que vieram logo após o impressionismo e que, em termos aproximados, cobrem o período de 1886 a 1910. Os impressionistas haviam destruído para sempre a crença artística na verdade objetiva da natureza. Os pintores passaram a entender que a visão depende de como vemos é, mais importante ainda, de quando vemos: o "olhar objetivo" estava, na realidade, sujeito a tanto à percepção quanto ao tempo. Vivemos num mundo essencialmente fugaz e incontrolável, e a glória da arte é lutar corpo a corpo com esse conceito.

Expressionismo

Também conhecido como pós-impressionismo, buscava expressar de maneira intensa, as emoções e angustias humana. Usavam de maneira expressiva as linhas e as cores.

Artistas plásticos de diferentes períodos são considerados precursores do expressionismo, entre eles Goya, Van Gogh, Gauguin e James Ensor. O expressionismo pode ser considerado como uma postura assumida em diversas formas de manifestação artística durante o século XX. Vários artistas desta trabalham nessa linha, sem ligar-se a movimentos ou a grupos. Podemos citar alguns: Edward Munch, Emil Nolde, Amedeo Modigliani, Oskar Kokoschka, Egon Schiele, Chaim Soutine, Alberto Giacometti e Francis Bacon.

Pintura

Em oposição ao Impressionismo, o Expressionismo surge no final do século XIX com características que ressaltam a subjetividade. Neste movimento, a intenção do artista é de recriar o mundo e não apenas a de absorvê-lo da mesma forma que é visto. Aqui ele se opõe à objetividade da imagem, destacando, em contrapartida, o subjetivismo da expressão. Com utilização arbitraria das cores esses artistas rompiam com a representação acadêmica nas pinturas abrindo mão da perspectiva e usando textura empastada nas pinceladas.

Seu marco ocorreu na Alemanha, onde atingiu vários pintores num momento em que o país atravessava um período de guerra. As obras de arte expressionistas mostram o estado psicológico e as denúncias sociais de uma sociedade que se considerava doentes e na carência de um mundo melhor. Pode-se dizer que o Expressionismo foi mais que uma forma de expressão, ele foi uma atitude em prol dos valores humanos num momento em que politicamente isto era o que menos interessava.

Gauguin teve grande influência na simplificação das formas, na redução dos efeitos de luz e na utilização de cores bem definidas.

O principal precursor deste movimento foi o pintor holandês Vincent Van Gogh, que, com seu estilo único de utilizar a cor como elemento fundamental, com a intenção de representar as emoções. Já manifestava, através de sua arte, os primeiros sinais do expressionismo. Ele serviu como fonte de inspiração para os pintores: Érico Heckel, Francisco Marc, Paulo Klee, George Grosz, Max Beckmann, etc. Há ainda muitos outros pintores, entre eles, Pablo Picasso, que também foram influenciados por esta manifestação artística.

Edvard Munch Concedeu às cores um valor simbólico e subjetivo. Sua obra mais importante é "O Grito".

Além de sua forte manifestação na pintura, o expressionismo foi marcante também em outras manifestações artísticas, tais como: literatura, cinema, teatro, etc. Na literatura, há muitas obras que refletem a crise de consciência que tomou conta da sociedade antes e depois da Primeira Guerra Mundial.

Na década de 40, surge o expressionismo abstrato, este movimento foi criado em Nova York por pintores como Pollock, de Kooning e Rothko. Aqui os estilos eram bem variados e buscavam a liberação dos padrões estéticos que até então dominavam a arte norte-americana.

EXPRESSIONISMO NO BRASIL

Em nosso país o movimento também foi importante. Podemos destacar, nas artes plásticas, os artistas expressionistas mais importantes: Candido Portinari, que mostra em suas telas a migração do povo nordestino para as grandes cidades. Outros representantes: Anita Malfatti, Lasar Segall e Osvaldo Goeldi (autor de diversas gravuras). As peças teatrais de Nélson Rodrigues apresentam significativas características do expressionismo.

Fotografia

Captava a imagem do real de uma maneira muito mais rápida e econômica, Os pintores começaram a perceber que precisavam reinventar a maneira de pintar a realidade dando início a arte moderna. A reprodução de imagens já despertava curiosidade desde a Grécia antiga.

Leonardo da Vinci observou o fenômeno quando fechou todas as janelas e portas de seu quarto ficando no escuro. Notou que na parede em frente à janela estava projetada a imagem do quintal, com os lados invertidos e de cabeça para baixo.

Daguerreótipo, antecessora da máquina fotográfica capturava a imagem em uma chapa de estanho tratada quimicamente. Menosprezada inicialmente, acabou substituindo o retrato e os modelos vivos.

O fotografo percebe que através da fotografia, ele pode registrar e transferir emoções, através do domínio e conhecimento das técnicas. Ele pode usar também a criatividade na utilização do enquadramento, na exploração da luz e até mesmo no processo de revelação.

Arte Africana

Depois de muitos séculos, percebemos que os habitantes do continente africano eram mais que meros escravos. Alguns povos africanos usavam a arte do mesmo modo que qualquer cultura dita primitiva fazia, mas, nem por isso estão até hoje no mesmo lugar de partida.

Não existe cultura mais avançada que a outra. Existem culturas em caminhos e estágios de desenvolvimento diferentes. Cada cultura se desenvolve de acordo com aquilo que lhes identifica e parece mais importante.

Por ser exótica, naturalista e abstrata já havia despertado o interesse dos europeus e chamaram a atenção dos artistas modernos que perceberam que a arte africana é simbólica e tem como objetivo ser funcional e não decorativa. A beleza está na função que um objeto terá, e a principal função é servir de identificação cultural e social.

A religião tem função importante de explicar aquilo que para eles é inexplicável, por isso é uma arte rica em representações de deuses que estão relacionadois muitas vezes com a natureza.

Pintura

A pintura aparece em diferentes lugares: nos corpos ou tecidos destacam-se as figuras geométricas coloridas, nos adornos por todo o corpo de diversos materiais servindo de identificação cultural e social e os temas são a vida cotidiana, a natureza e superstições.

Escultura

Na escultura, a figura humana está ligada ao culto dos antepassados, seja ela estilizada, ou zoomórfica. As máscaras é um elemento importante nessa linguagem e fundamental nos rituais de passagem, feitas geralmente pelo responsável espiritual do grupo em madeira, ouro, bronze, marfim, barro, palha, conchas...

O maior acervo de arte africana encontra-se atualmente na Europa Ocidental.

Cubismo

Criado por Pablo Picasso e Georges Braque, essa nova linguagem artística revolucionou a arte ocidental. Abandonando as noções da perspectiva e rompendo com a ideia da arte como representação da natureza, representavam os objetos em três dimensões em uma superfície plana, buscando a estrutura geométrica dos objetos. Sem o compromisso de retratar fielmente os objetos.

Existem três etapas no Cubismo. O Cubismo Primitivo (1907), o Cubismo Analítico (1910-1912) e o Cubismo Sintético (1913). O Cubismo teve influência do pintor Cézanne, mas também se relaciona às teorias relativistas de Albert Einstein, que estabeleceu que é impossível determinar um movimento. Um objeto pode parecer estar parado ou em movimento, segundo a perspectiva de quem olha.

Cubismo Primitivo: ( 1907 ) : representado por " As Senhoritas de Avignon ", a pintura dos primeiros anos do cubismo se caracterizou pela redução à rígidas formas geométricas de tudo. Aparecem casas sem portas, sem janelas e pessoas com uma só mão ou apenas um olho. As cores eram ocres, marrons e verdes, com a função principal de remodelar as formas.

Cubismo Analítico: (1910 - 1913): apresenta uma decomposição de objetos simples, tais como guitarras, violinos, cabeças, figuras, etc. Era uma combinação de fragmentos de objetos, vistos de distintos pontos de vista, com uma perspectiva movediça.

Cubismo Sintético: (1913): Empregam-se colagens, papéis diversos, como jornais, papéis de paredes, etc. Há um interesse grande por texturas e materiais e as cores se tornam muito mais vivas. Volume e espaço são insinuados com pequenos e leves traços de sombra. Há uma completa ruptura com qualquer procedimento imitativo.

Pablo Picasso

Considerado por muitos o maior artista do século XX, revolucionou a arte de seu tempo. Antes de chegar ao cubismo percorreu várias fases como uma busca ao que seria a linguagem que o identifica até hoje. Durante sua Fase Azul, a tristeza, o isolamento, a miséria o desespero humano são reforçados pelo trabalho em monocromia em tons azuis. Durante a Fase Rosa, retrata a paixão de Picasso pelo circo, representação dos saltimbancos. O tema amor da origem a muitos desenhos sensuais eróticos

Depois que descobre a arte africana revoluciona a arte e desenvolve a estética cubista que destrói a harmonia das figuras e a realidade.

Surrealismo

Com o lançamento do manifesto surrealista, essa linguagem trouxe para o mundo um novo modo de encarar a arte. Influenciada pela psicanálise com Freud, criticava a fragilidade do homem e de sua cultura diante de um mundo tão complexo. Propunha ir para além da realidade através do bizarro, dos sonhos do irracional para expressar realidades absurdas que nada tem a ver com a lógica. A imaginação e emoção manifestada livremente. Teve duas vertentes: a Figurativa e a Abstrata

Figurativo

Salvador Dali: Representa o máximo do surrealismo, Criou a "paranóia crítica" que consistia em usar suas próprias fobias como matéria prima de seus quadros. Chocava por ir além de seus limites, muito criativo, ainda em vida teve um museu para expor suas obras.

Abstrata

Joan Miró: Admirador da espontaneidade infantil criava formas semi-abstratas e estilizadas, predominavam as curvas e os tons alegres, assim como os desenhos infantis. Para ele era preciso libertar o traço no papel soltando o inconsciente e deixando a razão de lado.